Critica y conflicto social a través de la pintura en los periodos del Romanticismo y Realismo
Trabajo final
Critica y conflicto social a través de la pintura en los periodos del Romanticismo y Realismo
Arte como instrumento de critica política y conflictos sociales.
1. Introducción
Los periodos en la historia arte son un reflejo, interpretación y algunas veces protesta de lo ocurre en el presente, a travez de la historia de la humanidad el hombre busca de una manera consciente o inconciente plasmar su entorno de muchas maneras, ya sea por medios escritos, a travez de las ideas, y sobre todo por medios artísticos.
Este ensayo busca plantear como es que la pintura se convirtió en un medio de critica y denuncia de acontecimientos en el mundo y la sociedad del siglo XIX, se buscará recorrer el contexto, causas, influencias y planteamientos de la época del Romanticismo como del Realismo.
Contexto general
Este ensayo se situará en el periodo de la historia que vivió Europa en el siglo XIX, este periodo estuvo lleno de cambios importantes que influyeron a nivel mundial, fue un tiempo de transformaciones y cambios radicales, que para propósitos de este trabajo se dividirá en los aspectos político económico-social y artístico de la primera y segunda mitad del siglo XIX, abarcando así el terreno artístico del Romanticismo y Realismo respectivamente.
Contexto Politico
Este periodo estuvo marcado por las guerras Napoleonicas, estas guerras se extendieron a travez de varios países en Europa, promoviendo las ideas revolucionarias tales como el nacionalismo, el centralismo del gobierno, la igualdad ante la ley, la libertad de religión y la abolición de los privilegios heredados. Esto sentó las bases para la ley moderna en muchos países. A su vez propuso la meritocracia por encima del linaje aristocrático, esto impactó en el orden social establecido. Estas ideas calaron en muchos países en Europa lo que abriría las puertas de cambios sociales profundos. Con la idea de la soberanía de los países y un nacionalismo en crece, la tan aclamada búsqueda de la libertad, igualdad y fraternidad del hombre dentro de un plano de nación y orden darían paso a empoderar clases sociales antes oprimidas o relegadas, poco a poco el pueblo se fortalecía como grupo humano con derechos ante la aristocracia que se veía debilitada.
Contexto Economico - Social
Fue un siglo grandemente marcado por la revolución industrial, que dio paso a un cambio de fuerzas socioeconómicas, se evidencio inicialmente en Gran Bretaña y luego se extendió a otras partes de Europa. La introducción de nuevas maquinas, la mecanización de la industria textil y la aparición de la máquina a vapor transformaron la economía y la sociedad, cambiaron la forma en que se producían los bienes, y alimentos etc. influyó en la agricultura aportando nuevas técnicas y avances para una mayor producción, de esta manera se necesitaban menos trabajadores en los campos quienes tomaban un lugar para trabajar en las fábricas, esto generó una migración masiva de zonas rurales a áreas urbanas.
La Revolución Industrial también impulsó el comercio internacional estableciendo nuevas rutas para el transporte y la comunicación, esto benefició la interconexión entre diferentes regiones del mundo. A raíz de la revolución industrial el avance del capitalismo fue exponencial, se puede decir qué fue consolidada en este siglo, de esta manera se establecieron sistemas económicos y legales que favorecían la libre competencia y la libre empresa, lo que permitía a las personas poseer bienes, invertir en negocios y competir en el mercado. Adam Smith y sus teorías del libre mercado influenciaran grandemente los eventos económicos a partir de este siglo.
Contexto artistico
Se puede afirmar que el periodo del arte en el siglo XIX es principalmente uno de ruptura con la academia, con la institución académica del arte dictada el por estado y por aristócratas quienes establecían los patrones de belleza y aceptación de las obras de arte. Este periodo no fue su declive total pero sí el nacimiento de una forma alternativa de estándares artísticos hasta ese momento aceptados y considerados como bellos. En este periodo hace su aparición primeramente los artistas del Romanticismo y Realismo, con varias diferencias entre esas corrientes pero con similitudes también, especialmente en el quitar la mirada de lo establecido hacia lo personal y creativo. La academia finalmente había logrado que el artista no sea considerado un artesano, o copistas de miniaturas, con el establecimiento de la academia; elevaría así pues el nivel de su creación, lo ponía a la par con otras ciencias, le daba un lugar de influencia.
Las primera academias de dibujo tienen sus inicios en Italia en 1562, fundada por Giorgio Vasari, pintor, arquitecto y biólogo, La academia de San Lucas, Roma 1557, La academia de Milán 1620, entre otras muy reconocidas, todas ellas fundadas por petición o encargo de el estado, la iglesia o familias aristócratas. Es ante esta institución que los artistas del Romanticismo y Realismo desafiaran no solo al romper con lo establecido técnicamente, sino usando el arte como medio de critica ante acontecimientos sociales importantes. Caerols-Mateo (2013), en su artículo 'El devenir de las academias y las revoluciones sociales: La lucha contra el esquema' de la Universidad Antonio de Nebrija, señala:
“Escencialmente se destaca que fue un instrumento por y para el Estado- y con esa idea se creo-formando parte del entramado socioeconómico y político. Así, de ese modo podemos llegar a entender la dimensión de las implicaciones de las resoluciones sociales del siglo XIX, la lucha contra el antiguo regímen y el hecho de que los artistas revolvieran contra las academias.”
Es pues este el contexto político social en el que se desarrollará el tema de interés, de este ensayo, que es el aspecto revolucionario que toca las fibras artísticas del siglo XIX.
2. El Romanticismo
2.1 Ideas generales :
El Romanticismo como periodo artístico se manifiesta con mas fuerza a finales del 1780 y durará hasta mediados del siglo XIX aproximadamente. Se inicia cuestionando lo establecido por la ilustración y el neoclasicismo, no solo es un desafío a la academia en cuanto a lo técnico sino; es también una negación de las ideas racionales y lógicas en las que primaba el control y rigidez de lo establecido. El Romanticismo promovía una íntima conexión con la naturaleza, lo emocional y lo espiritual. Favorecía la imaginación por encima de la lógica, lo subjetivo sobre lo objetivo y lo enigmático en lugar de lo que sé podía explicar. Este movimiento exaltaba la singularidad, la intensidad de las emociones y la libertad creativa, desafiando las normas y limitaciones.
Como ya fue mencionado este movimiento artístico surge en tiempos de revueltas sociales, en diferentes capitales de Europa, desde el punto de vista intelectual y artístico el romanticismo fue el fue un eco que resonaba las ideas opuestas a la visión del estado, de los aristócratas y su papel oprimido por los que ostentaban el poder. Caerols-Mateo (2013) afirma: “Si por un lado, los postulados de pensadores como Rousseau y Montesquieu tuvieron un papel destacado en las circunstancias que desencadenaron la Revolución Francesa, la continuidad de esa lucha por la libertad vendrá de parte de los románticos en su ataque contra lo sistemático del pensamiento ilustrado.”
Esta libertad que buscaba y promovía el movimiento romántico se reflejaba en los temas que se pintaban, la naturaleza, paisajes llenos de emoción y momentos cargados de asombro.
“Súbitamente, los artistas se sintieron libres para elegir cómo tema desde una escena shakespeariana hasta un suceso momentáneo; cualquier cosa, en efecto, que les pasara por la imaginación o provocara interés. Ese desdén hacia los temas artísticos tradicionales vino a ser el único elemento que tuvieron en común los artistas encumbrados de la época y los rebeldes”Caerols-Mateo (2013)
Este cambio de dirección del movimiento romántico en busca de libertad y la expresión libre, abre el camino para el discurso social en ellas, esta libertad invita a liberar ideas de acontecimientos que no habían sido vistos de tal forma sino hasta ese punto, como grabados de pinturas sobre eventos trágicos, denuncias del poder, injusticias hacia el pueblo, asignándoles dignidad a labores consideradas comunes.
Características de la pintura romantica:
• Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
• La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más delicadas. La pincelada es libre, con movimiento y llena de expresividad.
• Desaparece la línea frente al color. Se recupera las emociones en color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Lo emocional de la pintura gana sobre el formato.
• La luz, se preocupan por las gradaciones dando un carácter efectista y teatral.
• Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos.
2.3 Pintores destacados del movimiento romántico
Entre ellos podemos mencionar nombres como :
Caspar David Friedrich, en 1818, durante el período romántico alemán, creó una de las piezas más emblemáticas "El caminante sobre el mar de niebla". Esta obra de Friedrich retrata a un explorador, un joven sentado de espaldas en un terreno rocoso, contemplando hacia una interminable niebla densa. Más que narrar una historia, esta pintura representa un estado emocional según la visión de Friedrich, evocando ideas de búsqueda constante e infinita. Captura la esencia de lo infinito, transmitiendo lo vulnerable de las emociones y el alma.
Imagen 2. Friedrich Caspar David (1818) Wanderer above the Sea of Fog, (oleo en lienzo)
National Gallery, London, United Kingdom.
John Constable, 1821, artista inglés, se dedicó a pintar paisajes campestres. "La carreta de heno" es su obra más famosa. Constable se ocupaba de paisajes naturales muy vibrantes .Esta pintura muestra a granjeros trabajando en un paisaje sencillo. Constable, trata de capturar la atmósfera entre los los paisajes. En su pintura, el hombre no está separado de la naturaleza, sino que es parte de ella, al igual que los pájaros y los árboles.
Imagen 3. Constable, John. (1821) “La carreta de heno” (Oleo sobre lienzo) National Gallery,
London, United Kingdom.
2.2 Critica social en el periodo romántico
La agitación social llega sin evadir a los pintores de esta época, no ajenos a los acontecimientos y su búsqueda por la esencia libre del hombre, la justicia y los valores intrínsecos de la persona por encima de lo establecido o impuesto, es que los artistas expondrán esa búsqueda de la dignidad del hombre su valor y sus ideales, aunque pueden generar la critica en los círculos donde su propio arte iba a ser recepcionados, estos pintores buscaron precisamente ello, la critica, el replanteamiento de ideas, el desequilibrio de clases, transgredir los usos.
“Cada creación artística habla por las víctimas completamente mudas de la sociedad y las circunstancias, por todos, finalmente, desde que el hombre es siempre algún momento la víctima de su entorno y desde que ellos han experimentado la indignidad suprema de parte de la muerte. El artista en una sociedad barbara es el único portavoz real de la gente”; afirma: Comfort, A. (Septiembre de 2021). Arte y responsabilidad social: la ideología del romanticismo. Filología. Gacetilla académica y cultural, (Número 17).
Théodore Géricault "La balsa de La Medusa",
Nació en 1771 en Francia, artista crítico, conocido por su obra más destacada,
La balsa de La Medusa, exhibida como escena de un naufragio, logró la medalla de oro en el Salón oficial en Francias, en 1819. Esta pintura denuncia la difícil situación de los sobrevivientes del naufragio de una fragata que inspiró esta obra, dicha embarcación con 147 personas abordo se hundió en 1816 cerca de las costas de Senegal, que entonces era una colonia francesa. Este hecho fatal relata que fueron solo 15 los sobrevivientes, los cuales recurrieron al canibalismo, un tema censurado por el gobierno, lo que provocó la critica oficial hacia el pintor. Así mismo presenta temas de carácter social, como el hecho de que el sobreviviente principal de la obra sea una persona con rasgos africanos, en una época cuando se le consideraba una “raza” salvaje, y más aún cuando esa persona lleva la bandera en sus manos.
Géricault le da tal importancia a este evento, no de héroes de guerra, o grandeza de la realeza, sino la tragedia de personas comunes, sufriendo la fatalidad de un destino que no pidieron, quienes recurren a lo mas abominable de la capacidad humana para poder sobrevivir, y a los cuales les espera un futuro de oscuridad recordando lo vivido. Es una denuncia de la negligencia y apatía del gobierno Frances ante las condiciones deplorables en las que permitían que estas embarcaciones funcionen, poniendo en peligro la vida de sus trabajadores, quienes por falta de salvavidas la mayoría murió, y los sobrevivientes pasaron 13 días sobre aquella balsa.
La resonancia de esta pintura en la sociedad Francesa de la época logro su cometido, puesto que planteaba la mediocridad y falencias de la monarquia, la ineptitud de sus gobernantes. Géricault se unió a ese sentido de inconformidad que experimentaba el pueblo.
Otro aspecto que llama pone esta pintura en un lugar de critica social es su dimensión, pues se consideraba que solo eventos de importancia histórica podían ser representados en grande escala como esta que tiene 7.16 x 4.91 metros , el pintor buscó plasmar este suceso en el mismo nivel de uno histórico, uniformizando terreno de lo permitido por la academia hasta ese momento, poniendo a la misma altura a los grandes héroes como a los desdichados, nada esta ya separado solo para la academia, con esta pintura se busca quebrar ese orden .
.jpg)
Imagen 4. Theodore Géricault, La blasa de la Medusa (1819). Oleo sobre lienzo, 4.91 x 7.16m.
Museo de Lurvre, Paris.
Composición y color
Se observa una composición triangular, dónde la base esta representada mayormente por los cuerpos muertos, organizados en sentido horizontal, estos cuerpos se desbordan del primer plano y dan la sensación de acercarse al lado del espectador. Se presentan lineas diagonales formadas por los brazos de los náufragos, principalmente en el centro de la composición, se nota un elemento en lado derecho superior que forza la mirada hacia la punta del triangulo, que se levanta finalmente el personaje principal, hondeando una bandera en sus manos. Se observa enseguida la linea de horizonte presente, en la parte superior izquierda, esto pone énfasis en la lejanía del primer plano con el horizonte.
Se pueden observar colores cálidos como el rojizo el naranja y siena, principalmente en el lado de la balsa, y en los sobrevivientes, no así en los cuerpos de los muertos que se distinguen tonos tierra y ocre. En contraste el color en el horizonte se torna cálido y esperanzador, con acentos de amarillo azul. Así mismo el color verde grisáceo del mar remarca la distancia por medio, el obstáculo mayor que tendrán que vencer.
Esta obra posee moviemiento en la intensidad de las olas que van desde la parte inferior de la imagen, se ven pequeñas casi reposadas, y van creciendo hasta cobrar altura en la mitad de composición. Es una composición abierta. Transmite melancolía, incertidumbre, los colores evocan un momento álgido, el desenlace de una tragedia. Los cuerpos inertes contrastados por deseo de querer vivir, de no rendirse, de los pocos sobrevivientes, la esperanza de llegar a tierra, y todo esto simbolizando la lucha de los que buscan la libertad y no se rinden.
Eugene Delacroix - La libertad guiando al pueblo
Esta obra representa la revolución de 1830 en Paris, se da en un contexto de acciones inconstitucionales llevadas a cabo por Carlo X, en la segunda restauración. A raíz de esta revolución Paris se llena de barricadas en contra del monarca. Este cuadro alegórico a dicho evento, logra plasmar diferente clases sociales como actores de esta gesta, aunque si bien los caídos en esta revolución fueron el proletariado, la burguesía es quien se benefició en mayor parte. Delacroix, no realizo esta obra con un fin puramente de denuncia, sino que busco los símbolos de esta lucha, la diversidad de clases, el anhelo de libertad, la dureza de los acontecimientos. El tono social de esta pintura quiera o no busca evidenciar la lucha de los pueblos, los caídos y los que surgen a raíz de esto.
Esta composición es en forma piramidal, la base de ella de extiende de punta a punta en la parte inferior, esta base es donde se encuentran los cuerpos de los caídos luchando, sobre ellos dos personajes que representan alegóricamente a los muertos por la libertad, a raíz de las injusticias de la época, los que siendo inocentes dieron su vida para que el pueblo siga su lucha. Al lado izquierdo se observa un luchador de procedencia burguesa por su traje y sombrero, empuñando un rifle, sumándose a la causa de la revolución, asi mismo un campesino en la parte posterior con un sable, representando las revoluciones pasadas, y al lado derecho un niño con dos armas en la mano que serian la constitución y los derechos del hombre, tambien se podría decir que era la Francia joven que nacía bajo otro pensamiento. A lo lejos se observa Paris, entre humareda y caoes, presente como la razón por la cuales defienden hasta la muerte, por la soberanía de su patria. Representando claramente la figura de una mujer con pechos descubiertos se nos presenta como la libertad, aquella que fuertemente arenga valiente a levantarse y seguir luchando, la libertad esta con Francia, pues la lleva en sus manos y la levanta victoriosa. La libertad lleva también un rifle con el cual esta dispuesto a luchar por el pueblo.
3. El Realismo
Ideas generales
El Realismo como movimiento artístico surgió en la segunda mitad del siglo XIX en contraposición al Romanticismo y a la pintura académica. Este movimiento tuvo su máxima expresión en Francia desde 1840 hasta el cierre del siglo XIX, su objetivo era capturar la vida moderna, de manera real y honesta. Sus temas se enfocaban en personas sin ninguna particularidad, o escenas cotidianas de trabajadores y momentos sencillos de la vida. El contexto general de este movimiento surge al establecerse aun más la industrialización, la migración masiva de los campesinos a la ciudad, para trabajar en fabricas, generándose así las metrópolis; tanto como en Francia, en Inglaterra y Alemania, la vida de la ciudad se hacia cada vez mas agitada y ocupada. Con la llegada de la energía eléctrica, se podía hacer uso de las horas de la noche, tanto como para el trabajo como para el entretenimiento, es así que la vida nocturna se beneficia de la modernidad. Las ciudades son habitas en desproporción, sin los servicios básicos, ni los recursos suficientes para todos, se generan una serie de problemáticas, como el hacinamiento, las enfermedades por la falta de agua y salubridad. A pesar de ello, los beneficios de la vida moderna incluirían avances en la ciencia con la llegada de los grandes motores, maquinarias, construcción de nuevas vías de trenes, la movilización era constante y la economía se hacia mas solida, eso gracias a la clase trabajadora que era en su mayoría explotada.
El movimiento del realismo buscaba plasmar su cotidianidad, la problemática del capitalismo desbordado, la vida dura de los que realizaban trabajos en el campo, los que no podían ser dueños de su destino, gracias a la tecnología, la aparición de la fotografía, el artista podía captar momentos que antes no podían mantener para observación. Este avance va a contribuir a capturara momentos de la vida diaria, útiles para el interés del movimiento del realismo.
“El Realismo no siente nostalgia del pasado como el Romanticismo, sino que se muestra ferviente entusiasta del porvenir, en consonancia con las teorías que circulaban en la época acerca del continuo progreso social imparable y su relación directa con la felicidad para el género humano.” Taranilla de la Varga, C. J. (s/f). Breve historia del romanticismo, realismo, impresionismo y modernismo. Historia del arte: volumen 12.
Características de la pintura del realismo
Temas: Los artistas realistas se dedicaban a observar minuciosamente la vida cotidiana y su entorno, buscando capturar cada detalle preciso en sus obras.
Luz y la sombra: Tenían un cuidadoso estudio sobre luz y sombra sobre todo para generar para dar profundidad.
Pinceladas detalladas para representar con exactitud cada elemento, desde la textura de la piel hasta la vestimenta y los objetos.
“Dirigieron su atención a la forma del terreno mismo, a la sensación de espacio, al desarrollo ilimitado de planos y a la representación de la atmósfera. Además, la luz misma se convirtió en el objeto de su escrupuloso examen. De lo anterior resultó una síntesis dando a toda la cohesión, poder y poesía. Eran amantes de la naturaleza y pintaban retratos de la naturaleza. Nada fue sacrificado; una pincelada daría solidez y al mismo tiempo daría la sensación de vida dura. Rousseau declaró con precisión sus sentimientos: "Nuestro arte solo puede mover al espectador a través de su sinceridad”.” Collins, N. (s/f). Pintura realista, siglo XIX: historia, características. Recuperado de https://es.gallerix.ru/pedia/history-of-art--realist-painting/
3.1 Critica social en el periodo del realismo
A diferencia de la critica que se hacia a travez de la pintura en el romanticismo, la cual era ante eventos o instituciones, en donde se buscaba esa lucha por la libertad y la dignidad del hombre. en el realismo la denuncia y la critica social iba enmarcada en la problemática del dia a dia de los mas débiles en el orden social, la cotidianidad de sus pesares, la denuncia se enfocaba en el aspecto social y no tanto en la política, se cuestionaba la organización e interacción social, la importancia de los sucesos que afectaba al hombre común, a los marginados y los que se veían afectados por los avances de la industrialización, y el rápido crecimiento de las ciudades.
Acerca del interes social de la pintura del realismo; Meyer, I. (2021). Pinturas realistas y artistas: aspectos destacados del movimiento realista. Arte en contexto, aporta:
“En esencia, los temas elegidos por los artistas del Realismo mostraron los cambios sociales provocados por la Revolución Francesa. El enfoque artístico, antes reservado para la clase alta, de repente se desplazó hacia las vidas ordinarias de las personas comunes. Esto se debió a que se consideraba que estas personas ofrecían la representación más precisa de cómo era la vida durante ese período; los artistas plasmaban incluso los aspectos más miserables y desordenados de la vida en sus obras.”
Artistas destacados del realismo
Gustav Courbet, Los picapedreros 1849
Artista Frances, considerado el mayor exponente del movimientos del realismo, expone escenas desde la búsqueda por representar de manera mas honesta la realidad, en esta obra, Los picapedreros, muestra una escena de de trabajo en el campo, la anonimidad de los personajes y el carácter tan común de tal trabajo que se muestra, nos transmite la democratización del arte, crear una pintura para darle notoriedad a estos elementos, hace que sea percibido como algo fuera de lugar para la sociedad de su tiempo.
La critica recae especialmente en que en esta pintura las piedras se elevan a una condición de relevancia, tanto como los personajes, las piedras son el tema principal, el objeto de interés de esta obra es no idealizar el momento, muestra el trabajo duro y sin gloria de un individuo cualquiera, en un campo cualquiera, sin rostros, sin nombres, la poca trascendencia de su labor expuesta como una obra de arte.
Compositivamente se ve en la escena a dos hombres, uno viejo y uno joven, ambos trabando de espaldas al espectador, es una composición abierta en disposición triangular, en donde el lado mayor recae en el hombre viejo, en oposición al joven. Uno de ellos se encuentra agachado, abatido por la vida y su dureza, el joven de pie, pero compartiendo el mismo destino, el pues será en algún momento el hombre viejo, de esta manera Courbet señala que el destino de alguno ya esta dictado, que los pobres no pueden escoger que hacer.
Se observa una linea de horizonte y un punto de fuga del cual irradia el centro de toda la imagen, tiene también lineas diagonales que se reflejan en los instrumentos de trabajo, uno en el piso, y otro en la mano del hombre viejo, hay un tercer elemento diagonal al lado izquierdo de la imagen.
Se presenta a los personajes con ropas sucias y gastadas. Courbet añade, una olla y una cuchara al lado izquierdo superior de la composición, para enfatizar que al menos estos pobres han tenido algo que comer, sugiere esperanza que al menos han podido acceder a un alimento, implicando que el trabajo podrá ser duro pero es la mera honrada y el medio digno por el cual ellos viven, no obtienen algún beneficio ni por su nombre o su posición en la sociedad, sino por su trabajo.
De esta manera el artista dignifica a quien parece no tener importancia alguna, un trabajador que pica piedras, puede ser también incluido como una pieza de arte.
En cuanto al uso del color, Courbet hizo uso de tonos tierra, ocres agrisados, es una paleta seria, un poco sombría, reflejando la textura de suelo, la tierra, las piedras, se siente cierta hostilidad y rugosidad en los colores opacos. La luz proviene del lado del espectador, y hay un pequeño contraste de azul celeste en el punto superior izquierdo generando lejanía y profundidad.
Imagen 6. Gustave Courbet, Los picadreros 1849, Oleo sobre lienzo, 165 × 257 cm
(Gemäldegalerie, Dresden (destroyed))
Jean-Francois Millet - Las espigadoras
Millet provenía de una familia de agricultores ricos, las escenas en el campo le eran muy familiar, aunque desarrollo su arte en Paris, la mayoría de su obra la alejado de la ciudad.
En su obra Las espigadoras, Millet propone que espectador se concentre en 3 mujeres que se dedican a recoger las sobras de los trabajadores que han cosechado el trigo, son mujeres que viven de la caridad de otros, y al igual que ellas destinados duras labores que enfrentan para poder vivir.
Esta obra es tambien una referencia a la historia biblica, de Ruth recogiendo las sobras en los campos de Boaz, quien busca protegerla y secretamente favorecerla. Esta relación con la historia bíblica añade cierta grandeza a las mujeres, que de cierta manera son favorecidas por un cuidado divino. La composición está dividida en tres partes, con las mujeres en primer plano, el campo en el centro y el cielo y el horizonte al fondo, es una composición abierta, en donde a la lejanía se observa a los trabajadores, algunos supervisando en caballos, se percibe en la lejanía la abundancia de la seguridad de varias casas. tiene profundidad y perspectiva, el centro de interés son las 3 mujeres, de las cuales 2 están agachadas y una tercera semi erguida, las 3 miran al piso cuidadosamente, como buscando algo muy valioso, ninguna de las mujeres muestra su rostro, este anonimato hace que el espectador lleve su atención a la acción que ellas realizan, una labor bastante monótona y difícil a la vez, tener que recoger pequeñas espigas del suelo.
La paleta de colores es usada es casi monocromática, usando el verde, blanco y azul se crea una atmósfera de recuerdo, de tranquilidad, pero a su vez es una imagen austera, sin rellenos o adornos, mas bien se siente cierta amplitud en el basto horizonte. Cada mujer realiza una labor diferente, una busca
Gustave Dore - Over London by rail
Fue un reconocido ilustrador y escultor representante del realismo, en el último periodo del siglo. En lugar de mostrar la vida en áreas rurales, se enfocó en la dura realidad de la vida en la ciudad, especialmente la de la clase trabajadora en Londres. Sus ilustraciones fueron publicadas en la revista The Graphic que fue fuerte al revelar las injusticias de la Ley de Pobres, en esta se describe cómo la pobreza afecta físicamente a las personas en las zonas más desfavorecidas de Londres, mostrando una ciudad llena de gente, la fuerza laboral sin derechos y explotada.
En la litografia de Doré se expone la critica directamente a las condiciones de los trabajadores y la vida de miseria que vivían los pobres, Londres rodeada de una fuerza laboral sin igual, era testigo de las condiciones mas bajas de existencia del pueblo, la ambición capitalista e industrial había desfigurado la humanidad de los pobres, agotando hasta la ultima gota de dignidad para recibir nada a cambio.
En esta obra se aprecia la ciudad de Londres vista desde lo alto al pasar en tren, esta vista es una muestra de la clase trabajadora en completo hacinamiento, se muestra cuan reducida era su vida, el pobre es limitado por los parámetros que se le impone, no necesita mas que cubículos, así se perciben las casas, filas interminables de cubículos de la fuerza laboral de la nación.
El análisis de la imagen esta compuesto por lineas de diferente intensidad que transmiten profundidad al dibujo, textura y detalle. La valoración es mayormente uniforme, de color gris, se percibe una luz en el centro de la composición. Consta de lineas delimitares, oblicuas, un arco en diagonal que presenta la ciudad, este arco le brinca perspectiva y dimensión a la obra.Cuenta con un punto de fuga que indica la profundidad de la imagen, de la que se desprende dos lineas diagonales en dirección al espectador.
Imagen 8. Gustav Doré, Over London - By Rail, Oleo sobre lienzo, Museo de Londres, Inglaterra
Conclusión
El siglo XIX fue un periodo de grandes cambios y desafíos para el mundo, destacando los avances que trajo la revolución industrial, el crecimiento de las ciudades, y un nuevo orden social, que indudablemente fueron beneficiosos pero a su vez expusieron la realidad de el costo social que implicaban, esto añadido a la insatisfacción de los pueblos ante gobiernos indiferentes de la necesidad de los más pobres fue el terreno oportuno para que la crítica social por parte de los artistas tanto en el periodo del romanticismo como de el realismo surgieran, estos artistas buscaban resonar las ideas de sus tiempos, cuestionar el orden social, dejando el lado pasivo de la sociedad para levantar sus voces en busca de los derechos y libertad de la persona. De esta manera se puede concluir que la crítica social en la pintura se convirtió en una voz activa desde su aparición hasta nuestros días.
Fuentes
Caerols-Mateo (2013), en su artículo 'El devenir de las academias y las revoluciones sociales: La lucha contra el esquema' de la Universidad Antonio de Nebrija
https://acrobat.adobe.com/id/urn:aaid:sc:US:7c3104f1-6dea-478e-8585-089280432ee7
Comfort, A. (Septiembre de 2021). Arte y responsabilidad social: la ideología del romanticismo. Filología. Gacetilla académica y cultural, (Número 17).
Taranilla de la Varga, C. J. (s/f). Breve historia del romanticismo, realismo, impresionismo y modernismo. Historia del arte: volumen 12.
Collins, N. (s/f). Pintura realista, siglo XIX: historia, características. Recuperado de https://es.gallerix.ru/pedia/history-of-art--realist-painting/
Páginas visitas
http://clio.rediris.es/n34/arte/20%20El%20Arte%20del%20S.%20XIX.Romanticismo%20y%20Realismo.pdf
https://artincontext.org/realism-paintings-and-artists/
https://www.britannica.com/topic/history-of-Europe/The-middle-19th-century
Yegres Mago, A., (2015). Filosofía, Ilustración y Romanticismo. Revista de Investigación, 39(86), 11-38.
Art and Labor nineteenth century
https://arthistoryteachingresources.org/lessons/art-and-labor-in-the-nineteenth-century/
https://victorianweb.org/art/illustration/socialrealism/5.html
https://acrobat.adobe.com/id/urn:aaid:sc:US:7c3104f1-6dea-478e-8585-089280432ee7
https://warayana.com.pe/publicaciones/2020/09/12/la-estetica-y-pensamiento-del-romanticismo-en-el-arte-y-el-hombre/
Comments
Post a Comment